La Danseuse, biopic à découvrir prochainement

A partir du 28 septembre prochain, nous pourrons découvrir au cinéma La Danseuse, premier long-métrage de Stéphanie Di Giusto. Le film revient sur la destinée de Loïe Fuller, danseuse américaine qui connut le succès à Paris avec sa célèbre « danse serpentine ».

Il y a quelques mois, la distribution du film La Danseuse foulait les marches du Festival de Cannes. Le film a notamment fait parler de lui car Lily-Rose Depp, fille de l’ex-couple star Johnny Depp/Vanessa Paradis, y tient son premier grand rôle. Pourtant, ce n’est pas elle qui tient le haut de l’affiche, mais Soko, qui interprète la danseuse Loïe Fuller, considérée comme une pionnière de la danse moderne.

Née aux Etats-Unis, Loïe Fuller rencontre le succès à Paris, où elle devient rapidement une vedette des Folies Bergères. Célèbre pour sa « danse serpentine » (1891), elle fut la première à inventer et réaliser des scénographies dans lesquelles la lumière est un élément fondamental. Elle captivait son audience en faisant tournoyer des voiles tout autour d’elle, créant ainsi un mouvement fluide et un effet visuel inédit.

La Danseuse revient sur l’ascension de cette artiste avant-gardiste, mais également sur sa rencontre avec Isadora Duncan (Lily-Rose Depp) qui voulut « libérer » la danse de ses codes. Celle-ci éclipsera son aînée, qui reste néanmoins une référence dans l’histoire de la danse, bien que pratiquement oubliée du grand public après sa mort en 1928…

Amateurs de danse et de son histoire, ne manquez pas ce nouveau biopic, en salles le 28 septembre prochain.

Sur les pas d’Ohad Naharin… au cinéma le 1er juin

Mr. Gaga (sur les pas d’Ohad Naharin), long-métrage documentaire consacré au chorégraphe Ohad Naharin, sortira en France le 1er juin 2016. En Israël, son pays, le film a rencontré un succès inattendu.

Minus 2 (2010)

Le célèbre chorégraphe de la non moins célèbre Batsheva Dance Company, Ohad Naharin, est au centre d’un documentaire réalisé par son compatriote Tomer Heymann. La sortie du film en début d’année en Israël n’a pas laissé les critiques indifférents :

« Mr. Gaga […] est une lettre d’amour à un artiste israélien qui transforme le corps en un instrument narratif, gommant avec brio les frontières entre fiction et réalité. » – Neta Alexander, Haaretz (quotidien national israélien)

« La création cinématographique la plus belle et la plus importante jamais réalisée sur la danse en Israël » – Tal Levin, rédacteur-en-chef, Achbar Ha’Ir (journal hebdomadaire gratuit de Tel-Aviv)

Depuis 1990, Ohad Naharin créé des pièces originales pour la Batsheva, cofondée par Martha Graham, auprès de qui il s’est notamment formé. Fidèle à la compagnie où il a fait ses premières armes en tant que danseur, en 1974, Ohad Naharin est aujourd’hui renommé sur la scène internationale de la danse contemporaine.

Malgré ses prises de positions contestataires à l’endroit de la politique d’Israël, cet artiste n’en reste pas moins très attaché à son pays, mais aussi à son indépendance créatrice, qu’il revendique. « Je vis dans un pays qui est gagné par le racisme, la brutalité, l’ignorance, un mauvais usage de la force, le fanatisme. Cela s’exprime dans la façon dont nous avons choisi notre gouvernement (…) Un gouvernement qui ne met pas seulement en danger mon travail d’artiste, mais le fait même d’exister ici, dans ce pays que j’aime tant ». 

Fondateur de la « Gaga dance » d’où il tire son surnom – Mr. Gaga – qui sert de titre au documentaire qui lui est consacré, Ohad Naharin se dévoile et dévoile son processus créatif tout au long du film. Créé pour libérer le corps des danseurs, ce langage chorégraphique est emblématique de son travail : « La technique ou la méthode Gaga est née du besoin de communiquer avec mes danseurs et de celui de prendre soin de mon corps. C’est une boîte à outils pour aller au-delà de ses limites familières et pour faire évoluer sa danse dans le style de son choix. Les concepts de Gaga sont, par exemple, de percevoir les endroits atrophiés de son corps, de travailler sur la vitesse, le cardio, la bonne utilisation des muscles, de comprendre la structure du squelette… Il s’agit d’apprendre à mieux connaître ses habitudes physiques, à écouter ses sensations, à se connecter avec l’animal que nous sommes. Dans le plaisir et l’efficacité. J’ai baptisé ma méthode de travail Gaga parce que ma mère m’a dit que c’est le premier mot que j’ai prononcé. » (extrait d’une interview du 19/04/2013 parue dans M le magazine du Monde, à lire ici).

Le film éponyme Mr. Gaga (sur les pas d’Ohad Naharin) mêle interviews de danseurs de la compagnie, du chorégraphe lui-même mais aussi des images d’archives telles que des films amateurs de son enfance ou des séances de répétitions.
A découvrir en salles le 1er juin 2016.

Chaillot rebaptisé

Didier Deschamps, non, non, pas le sélectionneur de l’équipe de France de football, mais son homonyme à la direction générale du Théâtre National de Chaillot, a annoncé la semaine dernière, en marge de la présentation de la saison 2016/2017 que le théâtre serait désormais renommé Théâtre National de la Danse.

Si cela n’empêchera pas le bien nommé de proposer toujours du théâtre, ce changement de nom marque la volonté du lieu, l’un des 5 théâtres nationaux, d’être une scène privilégiée pour accueillir les grands noms de cet art vivant.
Depuis, le théâtre affiche fièrement son nouveau logo.

Le site Danser, Canal historique – né de feu le magazine Danser – revient sur cette annonce.

(Pour lire directement l’interview sur le site de Danser, Canal historique : cliquez ici.)

Chaillot devient « Théâtre National de la Danse »

Didier Deschamps © Nicolas Krief

En présentant la programmation de la saison 2016/17, Didier Deschamps, directeur général du Théâtre National de Chaillot – et candidat à sa propre succession, son mandat s’achevant à la fin de la saison en cours – a annoncé une nouveauté historique : Le Théâtre National de Chaillot, qui portait déjà dans son logo la mention « Danse/Théâtre » est désormais officiellement « Théâtre National de la Danse ». Le soir même, en ouvrant la présentation de la saison au public, il a donc pu commencer par un « Bonsoir, merci, et bienvenue au Théâtre National de la Danse, à Chaillot ! »

Ca change ! Reste à changer le logo sur le site internet…

Sur les détails, Deschamps s’est expliqué, lors de la conférence de presse, l’après-midi du même jour, comme suit: « J’ai absolument voulu, avec la compréhension du Ministère de la Culture, que l’un des cinq théâtres nationaux soit identifié comme un théâtre de la danse. Et Mme la ministre m’a assuré qu’il n’était absolument pas question de revenir sur la vocation chorégraphique du Théâtre National de Chaillot. Mais Chaillot continue à programmer du théâtre, parce que la danse est chaleureuse et accueillante. »

Le symbole étant acquis, il faut le placer dans son contexte. Et dans l’immédiat, Chaillot étant toujours privé de sa deuxième salle (Firmin Gémier, en pleine construction – on y reviendra), le nombre de spectacles accueilli pendant la saison ne peut augmenter. Au contraire, il baisse, d’une quarantaine en 2015/16 à une trentaine, pour pouvoir accueillir des séries de spectacles plus longues. Mais la situation des artistes chorégraphiques, et les conditions dans lesquelles ils créent leurs œuvres, concerne les tutelles dans toute leur complexité.

Didier Deschamps: « Il est important que parmi les cinq théâtres nationaux, l’un soit dirigé par des personnes venant du monde de la danse, et c’est d’autant plus important qu’on constate, quand on est à l’écoute des artistes chorégraphiques, qu’il y a une forte régression des conditions d’exercice de la danse, que ce soit pour les danseurs ou les chorégraphes. Les conditions de production évoluent de façon très préoccupante, et en diffusion, les séries de trois ou quatre représentations se réduisent de plus en plus souvent à deux, à une seule ou sont entièrement annulées. Quand on voit qu’il y a de moins en moins de conseillers dans les DRAC qui sont issus de cette profession et en connaissent les spécificités… La danse n’a pas vocation à se trouver  sous la tutelle des autres disciplines artistiques et de logiques de pensée et d’organisation qui ont été conçues à d’autres époques, pour répondre à d’autres nécessités. »

Thomas Hahn

La présentation de la saison 2016/17 est sur le site web de Chaillot :

http://theatre-chaillot.fr/danse/presentation-de-la-saison-1617

Patinoire : spectacle éclectique et personnage survolté

Dans le cadre de la tournée 2016 de son spectacle solo Patinoire, l’artiste québécois Patrick Léonard, l’un des co-fondateurs de la compagnie de cirque Les 7 Doigts de la Main, était en représentation au Carré Bellefeuille, à Boulogne-Billancourt, mardi 22 mars.

Champion canadien de patins à roulettes, circassien chevronné formé à l’Ecole Nationale de Cirque de Montréal, passé par le cirque Knie (Suisse) et ancien membre du Cirque du Soleil, Patrick Léonard a plus d’une corde à son arc et a pu en faire la démonstration hier, lors de son spectacle d’une heure vingt interprété sur la scène du Carré Bellefeuille. Reconnu pour ses performances comiques en solo – Patrick Léonard a notamment reçu le Prix Nikouline au Festival Mondial du Cirque de Demain, à Paris – l’artiste s’affranchit des limites d’un genre, le cirque en l’occurrence, pour conjuguer humour et performances multiples (équilibres, cascades, tours) et faire appel à diverses influences, qu’elles soient musicales, circassiennes ou encore théâtrales.

Patinoire confine, en ce sens, davantage au one-man show (à l’américaine) qu’au solo de cirque à proprement parler. Personnage clownesque et attachant, bavard et drôle dans son franglais au fort accent québécois, Patrick Léonard s’encourage (« allez Patoche, tu peux le faire ! ») dans ses performances risquées qui met le public en tension tout en l’amusant beaucoup. En effet, lorsque le trublion se décide à escalader une tour à l’équilibre fragile faite d’un empilement d’enceintes, la tension est palpable dans l’assemblée. Si les acrobaties et les équilibres sont fragiles, la performance, elle, est solide. Patrick Léonard règne en maître sur la scène qu’il transforme bien vite en un petit cabinet de curiosités via un décor composé de bric et de broc…

Le public, complice, en redemande. Nous n’avons donc pas boudé notre plaisir lorsqu’une rencontre en bord de scène nous a été proposée après le spectacle. Naturel et sincère, Patrick Léonard s’est prêté avec bienveillance au jeu des questions-réponses. Ce moment d’échange fut l’occasion d’en apprendre plus sur son parcours et sur la création de ce spectacle, né d’une envie, de souvenirs et d’objets amassés au fil des années et d’un besoin profond de reconnaissance. Une reconnaissance sincère, propre à l’artiste qui donne tout sur scène. Patinoire est en cela un clin œil à ce qu’il est prêt à montrer sur scène, en se dépatouillant de situations rocambolesques, empêtré volontairement et pour le plaisir du public dans sa propre mise en scène. S’il « patine » – ou « rame » diront les Français – métaphoriquement, Patrick Léonard maîtrise néanmoins son sujet et la magie du spectacle a pu se prolonger au-delà grâce à cette rencontre exceptionnelle. Drôle et attachant sur scène, il l’est aussi en dehors et a su nous le montrer. Comédien, circassien, metteur en scène et comique, Patrick Léonard n’en demeure pas moins un homme en quête de partage et ce, pour notre plus grand plaisir.

Merci à lui, à la compagnie Les 7 Doigts de la Main et au Carré Bellefeuille pour cette superbe soirée !

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Plus d’infos :

• Retrouvez les 7 Doigts de la Main sur leur site Internet.
• En ce moment, à Bobino, à Paris, redécouvrez le spectacle Traces.

Groupe Grenade : une explosion de talents !

En 1989/1990, le Ministère de la Culture propose à la chorégraphe aixoise Josette Baïz une résidence d’un an auprès d’enfants et d’adolescents issus des quartiers nord de Marseille. Cette expérience, réussie, donne lieu à une deuxième année de travail avant que ne naisse, en 1992, le groupe Grenade. Forte de deux années riches en émotions, Josette Baïz crée cette troupe qui rassemble des jeunes danseurs amateurs – et qui regroupe aujourd’hui une cinquantaine d’enfants au total – âgés de 7 à 18 ans.

Vendredi 12 février dernier, à 20h30, 16 jeunes danseurs du groupe Grenade étaient réunis sur la scène du Carré Bellefeuille, à Boulogne-Billancourt, pour interpréter Roméo et Juliette, une pièce chorégraphique contemporaine, créée en juillet 2013 par Josette Baïz sur une musique de Sergueï Prokofiev.
Les Roméo et Juliette de Josette Baïz ont visiblement conquis le coeur du public venu en nombre applaudir le talent de ces jeunes danseurs, dont certains rejoindront la compagnie de la chorégraphe à leur majorité. La particularité du spectacle : donner à voir sur scène des amants de l’âge du couple mythique, respectivement âgés de 14 ans et 16 ans. On reste d’autant plus émerveillé de voir surgir chez ces adolescents danseurs autant de puissance dans l’interprétation… Quant aux plus jeunes, ils se sont montrés appliqués, certainement déterminés à suivre l’exemple de leurs aînés. Ces enfants sont sans conteste plus qu’heureux de vivre cette expérience du collectif et de la scène et de la partager avec le public.

Josette Baïz

Standing ovation méritée donc, à la fin du spectacle vendredi dernier. Par ailleurs, le Carré Bellefeuille a permis aux spectateurs de prolonger la soirée après la représentation grâce à une rencontre en bord de scène avec la chorégraphe du groupe Grenade et « ses » jeunes. L’occasion pour Josette Baïz de revenir sur l’historique du groupe et sur le travail réalisé auprès de ces danseurs amateurs. Pour certains, les anecdotes ne manquent pas, comme pour ce jeune garçon de 11 ans – l’un des plus jeunes interprètes du spectacle – qui a quitté sa famille, à Briançon, pour rejoindre le groupe Grenade et pouvoir, déjà, vivre quotidiennement sa passion ! En famille d’accueil depuis la rentrée, il ne boudait pas son plaisir sur scène. Face à tant de conviction, de passion et de travail – le niveau technique est déjà très impressionnant – le public, dont nous étions, n’a pu que repartir touché par ces jeunes interprètes passionnés, si beaux à regarder danser. Ce moment touchant a permis aux spectateurs de poser leurs questions à la chorégraphe et parfois même, aux danseurs. Qu’il était émouvant de voir ces graines d’artistes si investis sur scène parfois si intimidés de répondre à une question, une fois démaquillés et sans leurs costumes de scène…

Quelques danseurs du groupe Grenade

Un grand merci au Carré Bellefeuille d’avoir programmé ce spectacle du groupe Grenade, qui reste un dispositif unique en France, et d’avoir permis cette rencontre et ces échanges simples et touchants. Merci également au groupe Grenade d’avoir profité des vacances scolaires pour nous faire découvrir, à Boulogne-Billancourt, son talent. « La valeur n’attend pas le nombre des années » : nous en avons eu une belle démonstration vendredi dernier.